quinta-feira, 26 de dezembro de 2013

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quinta-feira, 12 de dezembro de 2013

A POP ART

A Pop Art, abreviatura de Popular Art, foi um movimento artístico que se desenvolveu na década de 1950, na Inglaterra e nos Estados Unidos. Foi na verdade uma reação artística ao movimento do expressionismo abstrato das décadas de 1940 e 1950.
Crítica à cultura de massa
Os artistas deste movimento buscaram inspiração na cultura de massas para criar suas obras de arte, aproximando-se e, ao mesmo tempo, criticando de forma irônica a vida cotidiana materialista e consumista. Latas de refrigerante, embalagens de alimentos, histórias em quadrinhos, bandeiras, panfletos de propagandas e outros objetos serviram de base para a criação artística deste período. Os artistas trabalhavam com cores vivas e modificavam o formato destes objetos. A técnica de repetir várias vezes um mesmo objeto, com cores diferentes e a colagem foram muito utilizadas.

Materiais usados 
Os materiais mais usados pelos artistas da pop art eram derivados das novas tecnologias que surgiram em meados do século XX. Gomaespuma, poliéster e acrílico foram muito usados pelos artistas plásticos deste movimento.

Principais artistas da Pop Art:

- Andy Warhol: maior representante da Pop Art. Além de pintor foi também cineasta.
- Peter Blake: foi o criador da capa do disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles.
- Wayne Thiebaud: pintor norte-americano que se destacou na criação de obras com teor humorístico e nostálgico.
- Roy Lichtenstein: pintor norte-americano que trabalhou muito com HQs (histórias em quadrinhos), criticando a cultura de massas.
- Jasper Johns: pintor norte-americano cuja obra principal foi Flag (Bandeira) de 1954.

-Robert Rauschenberg (1925-2008):O artista trabalhou os seus chamados combine paintings,onde combinava objetos às suas pinturas.E imagens de John F. Kennedy em algumas de suas obras.

quarta-feira, 11 de dezembro de 2013

POP ART


Andy Warhol


Andrew Warhola, mais conhecido como Andy Warhol, foi um importante artista plástico e cineasta norte-americano. Nasceu em 6 de agosto de 1928 na cidade de Pittsburgh (Estados Unidos) e faleceu na mesma cidade em 22 de fevereiro de 1987. É um dos maiores representantes da pop art, além de ter ganhado grande destaque no cinema de vanguarda e na literatura.

Biografia (principais momentos da vida do artista):

- Andy Warhol, foi estudar design com 17 anos de idade na Universidade Carnegie Mellon.
- Após se formar, foi morar em Nova Iorque, onde trabalhou como ilustrador de revistas de destaque (Vogue e The New Yorker). Atuou também elaborando material publicitário para lojas.
- Em 1952, organizou sua primeira mostra artística na Hugo Galley.
- Em 1956, vários de seus desenhos foram expostos no MOMA (Museu de Arte Moderna) em Nova Iorque.
- Na década de 1960 começou a incorporar conceitos da publicidade em suas obras de arte. Foi o ponto principal para o desenvolvimento da pop art.
- Em 1965 tornou-se o financiador e gerente da banda de rock The Velvet Underground.
- Em 1968 sofreu um atentado ao ser atingido por um tiro disparado por Valerie Solanis. Após uma complicada cirurgia, Warhol se recuperou e voltou a vida artística.
- Em 1969 começou a publicar sua própria revista (Interview).

Na década de 60, sua trajetória como artista plástico sofre uma reviravolta, pois ele passa a se apropriar das idéias publicitárias em suas criações, valendo-se de tonalidades fortes e tintas acrílicas. Neste mesmo período ele renova o movimento conhecido como POP ART, ao gerar mecanicamente inúmeras cópias de seus trabalhos, através de uma técnica denominada serigrafia - processo de reprodução de imagens sobre papel, madeira, vidro, entre outros materiais, o qual utiliza uma moldura com tela de seda ou nylon formado por malhas; a tinta passa através das malhas permeáveis, que correspondem à imagem a ser impressa, permanecendo as restantes impermeáveis à tinta. Ele concretiza essa produção artística com temas extraídos do dia-a-dia, como latas de sopas Campbell, garrafas de Coca-Cola, rostos de ícones da indústria cultural, entre eles os de Marilyn Monroe, Elvis Presley, entre outros. As colagens e a utilização de matéria-prima descartável, geralmente não utilizada pelos artistas plásticos, foram outras técnicas privilegiadas por Andy.

segunda-feira, 9 de dezembro de 2013

Armory Show o começo


Exposição Internacional de Arte Moderna ou Armory Show como ficou conhecida, por ter como local de sede o arsenal (quartel) do sexagésimo nono regimento da Guarda Nacional da cidade de  Nova Iorque, foi a primeira mostra de arte moderna organizada nos  Estados Unidos, entre   17 de fevereiro e 15 de março de 1913.O Armory Show foi patrocinado pela Association of American Painters and Sculptors, por iniciativa de Walter Pach,  Arthur B. Davies e  Walt Kuhn.Foram exibidas mil duzentas e cinquenta obras entre pintura, escultura e arte decorativa. Desse total, cerca de trezentos trabalhos representavam a produção vanguardista européia e americana. Os organizadores da exposição conseguiram reunir obras de Ingres, Delacroix, Degas, Cézanne , Renoir,  Monet, Gauguin, Van Gogh,Picasso,Matisse, entre outros artistas importantes. Estavam , portanto, ali representados nomes ligados ao Impressionismo,Expressionismo,Fauvismo e Cubismo,o que havia de mais atual na pintura européia.

 

sábado, 7 de dezembro de 2013

PORTINARI


Cândido Portinari foi um dos pintores brasileiros mais famosos. Este grande artista nasceu na cidade de Brodowski (interior do estado de São Paulo), em 29 de dezembro de 1903. Destacou-se também nas áreas de poesia e política.

Durante sua trajetória, ele estudou na Escola de Belas-Artes do Rio de Janeiro; visitou muitos países, entre eles, a Espanha, a França e a Itália, onde finalizou seus estudos.

No ano de 1935 ele recebeu uma premiação em Nova Iorque por sua obra "Café". Deste momento em diante, sua obra passou a ser mundialmente conhecida.

Dentre suas obras, destacam-se: "A Primeira Missa no Brasil", "São Francisco de Assis" e Tiradentes". Seus retratos mais famosos são: seu auto-retrato, o retrato de sua mãe e o do famoso escritor brasileiro Mário de Andrade.

No dia seis de fevereiro de 1962, o Brasil perdeu um de seus maiores artistas plásticos e aquele que, com sua obra de arte, muito contribuiu para que o Brasil fosse reconhecido entre outros países. A morte de Cândido Portinari teve como causa aparente uma intoxicação causada por elementos químicos presentes em certas tintas.

Características principais de suas obras:Retratou questões sociais do Brasil;utilizou alguns elementos artísticos da arte moderna europeia;suas obras de arte refletem influências do surrealismo, cubismo e da arte dos muralistas mexicanos;arte figurativa, valorizando as tradições da pintura.

Em 1949 executa o grande painel “Tiradentes” , narrando episódios do julgamento e execução do herói brasileiro que lutou contra o domínio colonial português. Por este trabalho Portinari recebeu, em 1950, a medalha de ouro concebida pelo júri do Prêmio Internacional da Paz, reunido em Varsóvia.

Em 1952, atendendo a encomenda do Banco da Bahia, realiza outro painel com temática histórica, “Chegada da Família Real Portuguesa à Bahia” e inicia os estudos para os painéis “Guerra e Paz”, oferecidos pelo governo brasileiro à nova sede da Organização das Nações Unidas. Concluídos em 1956, os painéis, medindo cerca de 14×10 m cada – os maiores pintados por Portinari – encontram-se no Hall de entrada dos delegados do edifício-sede da ONU, em Nova Iorque.


"Pedi ao anjo as asas emprestadas,sobrevoei meu povoado..." 
"...irriguei as plantações com minhas lágrimas..."
"pensei na felicidade perdida..."              Cândido Portinari


 

quinta-feira, 5 de dezembro de 2013

Di Cavalcanti


- Di Cavalcanti nasceu na cidade do Rio de Janeiro, em 6 de setembro de 1897.
- Desde jovem demonstrou grande interesse pela pintura. Com onze anos de idade teve aulas de pintura com o artista Gaspar Puga Garcia.
- Seu primeiro trabalho como caricaturista foi para a revista Fon-Fon, no ano de 1914.
- Participou do Primeiro Salão de Humoristas em 1916.
- Mudou para a cidade de São Paulo em 1917.
- Em 1917, fez a primeira exposição individual para a revista "A Cigarra".
- No ano de 1919, fez a ilustração do livro Carnaval de  Manuel Bandeira.
- Participou da  Semana de Arte Modena de 1922, expondo 11 obras de arte e elaborando a capa do catálogo.
- Em 1923, foi morar em Paris como correspondente internacional do jornal Correio da Manhã. Retornou para o Brasil dois anos depois e foi morar na cidade do Rio de Janeiro.

Em 1953, foi premiado, junto com o pintor    Alfredo Volpi, como melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo.
- Em 1955, publicou um livro de memórias com o título de Viagem de minha vida.
- Recebeu o primeiro prêmio, em 1956, na Mostra de Arte Sacra (Itália).
- Em 1958, pintou a Via-Sacra para a catedral de Brasília.
- Em 1971, ocorreu a retrospectiva da obra de Di Cavalcanti no Museu de Arte Moderna de São Paulo.
- Morreu em 26 de outubro de 1976 na cidade do Rio de Janeiro

- Seu estilo artístico é marcado pela influência do expressionismo, cubismo e dos muralistas mexicanos (Diego Rivera, por exemplo).
- Abordou temas tipicamente brasileiros como, por exemplo, o  samba. O cenário geográfico brasileiro também foi muito retratado em suas obras como, por exemplo, as praias.
- Em suas obras são comuns os temas sociais do Brasil (festas populares, operários, as favelas, protestos sociais, etc).
- Estética que abordava a sensualidade tropical do Brasil, enfatizando os diversos tipos femininos.
- Usou as cores do Brasil em suas obras, em conjunto com toques de sentimentos e expressões marcantes dos personagens retratados.

Algumas de suas obras são: Cinco moças de Guaratinguetá – 1930, Mulheres com frutas – 1932, Família na praia – 1935,Mulatas e pombas-1966.

terça-feira, 3 de dezembro de 2013

Modernismo


 
Pinacoteca do Estado de São Paulo apresenta exposição com os mestres do modernismo, a mostra ficará até 27 de dezembro de 2015,e conta com 50 quadros e esculturas dos artistas desse movimento da segunda metade do século passado,Tarsila do Amaral,Di Cavalcanti,Portinari e outros.
Tarsila do Amaral
Nasceu em Capivari, SP em 1886,uma das mais importantes representantes do movimento modernista brasileiro.
Em 1928, ela presenteia Oswald de Andrade com o quadro Abaporu (1928) A pintura estimula o escritor a fundar o movimento antropofágico. Neste período, a geometria é abrandada. As formas crescem, tornam-se orgânicas e adquirem características fantásticas, oníricas. Telas como O OVO”URUTU”(1928),   O SONO(1928) e  A LUA(1928), compostas de figuras selvagens e misteriosas, aproximam-na do surrealismo.
A partir da década de 1930, a vida de Tarsila modifica-se bastante. No primeiro ano da década separa-se de Oswald. Na mesma época, ocupa, por um curto período, a direção da Pinacoteca do Estado. Viaja para a União Soviética no ano seguinte e expõe em Moscou. A partir de 1933, seu trabalho ganha uma aparência mais realista. Influenciada pela mobilização socialista, pinta quadros como  Operários (1933) e  segunda classe(1933), preocupados com as mazelas sociais.
Em 1935, muda-se para o Rio de Janeiro. Sua vida é atribulada. A artista tem uma situação doméstica confusa, repleta de afazeres e afasta-se da pintura. Ocupa-se da disputa de posse de sua fazenda e trabalha muito como ilustradora e colunista na imprensa. A partir de 1936 colabora regularmente como cronista no Diário de São Paulo, função que ocupará até os anos de 1950. Nessa época, seus quadros ganham um modelado geométrico. As cores perdem a homogeneidade e tornam-se mais porosas e misturadas. Em 1938, recupera a propriedade, retorna à São Paulo e sua produção volta à regularidade. Reaproxima-se de questões que animaram o período heróico do modernismo brasileiro. A partir da segunda metade dos anos de 1940, as inquietações do período pau-brasil e da antropofagia são reformuladas, os temas rurais voltam de maneira simples. Em algumas telas, como  PRAIA(1947) e  PRIMAVERA(1946), as figuras agigantadas evocam o período antropofágico, mas agora aparecem sob forma mais tradicional, com passagens tonais de cor e modelado mais clássico.
Em 1950, é feita a primeira retrospectiva de seu trabalho, no MAM em São Paulo. A exposição dá mais prestígio à artista, nela as pinturas da fase "neo pau-brasil" são mostradas pela primeira vez. O retorno a temas nacionais anima Tarsila a pintar dois murais de forte sentido patriótico. Em 1954, termina procissão do santíssimo, encomendado para as comemorações do IV Centenário da Cidade de São Paulo. Dois anos depois, entrega O batizado de Macunaíma, para a Editora Martins. Em 1969, a crítica de arte Aracy Amaral organiza duas importantes retrospectivas do trabalho de Tarsila. Uma no MAC/USP e outra no MAM do Rio de Janeiro. As mostras consolidam sua importância para a arte brasileira. Tarsila falece em São Paulo em 1973.
 

 

quinta-feira, 21 de novembro de 2013

PABLO PICASSO

 
     
Pablo Picasso ,1881 a 1973,um dos grandes pintores do séc. XX.
Nasceu em Málaga na Espanha. 
 
                                                                                                                                                                                          
 
 

terça-feira, 19 de novembro de 2013

GUERNICA


Guernica:a trágica e clássica obra do pintor Pablo Picasso, nasceu das impressões causadas no artista pela visão de fotos retratando as consequências do intenso bombardeio sofrido pela cidade de Guernica, anteriormente capital basca, durante a Guerra Civil espanhola em 26 de abril de 1937.

Este painel, produzido em 1937, é então exposto em um pavilhão da Exposição Internacional de Paris, no espaço reservado à República Espanhola. Este trabalho é grandioso, em todos os sentidos, tanto na catástrofe bélica que reproduz, quanto no seu tamanho, pois ele mede 350 por 782 cm. Elaborado em tela pintada à óleo, é um símbolo doloroso do terror que pode ser produzido pelas guerras.

Esta obra universal traz em si o impacto provocado por todo e qualquer confronto bélico, não só o vivenciado pelos habitantes de Guernica, destruída pela mortífera aviação alemã comandada pelo nazista Adolf Hitler, aliado do ditador espanhol Francisco Franco. Diretamente atingido pela visão desta violência sem igual, Picasso leva um mês e alguns poucos dias a mais para produzir sua obra-prima, que é concebida depois de não menos que 45 estudos anteriores.

Imediatamente este trabalho assume o caráter de representante artístico universal na condenação deste ato selvagem. As imagens que emanam desta tela transcendem os próprios fatos, alcançando, quase profeticamente, futuros embates que, hoje, se traduzem em conflitos em áreas diversas,que chegam a atuar como cobaias para que novos armamentos sejam testados, principalmente os eficazes bombardeios de saturação.

Picasso concebeu sua obra em preto e branco, com alguns traços amarelados, traduzindo assim os intensos sentimentos que o abalaram na destruição de Guernica, sua rejeição a tamanha violência. Sem dúvida nenhuma constituída em estilo cubista, o pintor nela reproduz o povo, os animais e as construções atingidas pelo bombardeio.

A própria recorrência ao recurso conhecido como ‘collage’ evidencia as intenções emocionais do artista. Ele não cola simplesmente as imagens na tela, mas as pinta, simulando o ato da colagem. Assim ele tece um espaço renovado e original, não obtido por meio de técnicas ilusórias, mas sim pela justaposição de imagens cortadas na perspectiva plana, em tonalidades pretas e cinzas, perpassadas por luzes brancas e amarelas, atingindo a impressão de uma falta completa de cores, que aqui lembram sem dúvida a morte. O pintor representa em Guernica, com certeza, a dissolução da existência, que se resume a fragmentos, a transformações na anatomia dos seres retratados, de certa forma irreais, mas que ao mesmo tempo transmitem o absurdo significado ou a absoluta falta de sentido da realidade gerada pela guerra.

A obra Guernica se encontra no Museu Nacional Centro de Arte Rainha Sofia,em Madri.

Fontes
http://www.isa.utl.pt/campus/6_pablo.htm


 

 

 

domingo, 17 de novembro de 2013

O CUBISMO


Em 1907,Picasso começa os primeiros estudos das senhoritas de Avignon (Les Demoiselles D’Avignon).A  ideia é aludir a um tema clássico cuja cena tenha um impacto antidecorativo ao combinar ecos do arcadismo europeu com menções às esculturas tribais.A incompreensão do crítico Louis Vauxcelles diante do Nu azul  se concentrava sobre a “ feiúra” da figura feminina.As senhoritas de Picasso não eram menos “feias”.E no caso delas a “feiura” parece ainda mais agressiva,uma vez que é acentuada pelas poses sensuais inverossímeis.Mas o que havia de tão dissonante,o que havia de aberração no quadro,que incomodava tanto os que o viam?Picasso faz uma verdadeira destruição da construção pictórica ocidental.O pintor despedaça a unidade do quadro ,construindo uma superfície que é vista como sólida e facetada.Picasso anula a ordem dos planos prospectivos.Subverte as diferenças entre perto e longe,dentro e fora,renovando radicalmente a concepção do espaço. “Picasso disse uma vez que quem cria algo é obrigado a fazê-lo feio” escreveu Gertrude Stein.E descreve o raciocínio do pintor. “Do esforço e da luta para gerar intensidade deriva sempre certa feiura :quem vem depois pode fazer desse algo uma coisa belíssima ,pois, visto que já foi inventada,sabe aquilo que está fazendo”.Gertrude Stein enfatiza a fadiga do artista à procura de uma forma que negue e vá além dos valores constituídos.Tal comportamento motivou os críticos a falar de uma ruptura definitiva com as tradições do Renascimento.A cena que Picasso pinta parece submetida a um choque que faz erguer o fundo em fraturas que se encaixam umas nas outras.A matéria pictórica se enche de cristais e depressões em um espaço comprimido e claustrofóbico.A obra “As senhoritas de Avignon” marca  o início do movimento cubista.Ao lado do amigo Georges Braque desenvolve o cubismo analítico.Em 1912 nascem as primeiras experiências com colagem e papier-collé.Com Braque ,desenvolve o chamado cubismo sintético.Fernand Léger,André de Lothe,e Juan Gris também foram representantes do movimento cubista.

as senhoritas de Avignon

senhoritas de Avignon (Les Demoiselles D’Avignon) Pablo Picasso, 1907.

Curiosidades

 

Ao se depararem com a obra de Pablo Picasso,”Les Demoiselles d’Avignon” os amigos e admiradores ficaram espantados e fizeram comentários não muito agradáveis.Consternado com tanta agressividade das formas da composição, o colecionador russo Sergeij Schukin,lamentou dizendo:”Que perda para a arte  francesa!”
Derain comentou:”Uma manhã ainda encontraremos Picasso enforcado atrás de seu quadro”.Salmon,amigo de Picasso se sentiu embaraçado diante da cruel “desumanidade” dos nus e com “ o horror das faces pintadas ,que me gelaram de susto” .Braque ,o amigo que o poeta Apollinaire havia apresentado a Picasso a pouco tempo,descreve desorientado,o efeito que a obra lhe causara:”É como beber petróleo comendo uma estopa em chamas.”Além das manifestações de escândalo,a obra também despertou entusiasmo.”Essa é uma pintura que alguém deveria mostrar em procissão pelas ruas da cidade,exclamou o grande alfaiate Jacques Doucet,que adquiriria o quadro com a promessa de doá-lo em testamento para o Museu do Louvre.O galerista Kahnweiler apreciou a obra,principalmente por ser  uma espécie de predecessora do movimento cubista

sábado, 16 de novembro de 2013

Análise de Obras


                                                                                            

Um sistema eficaz para a compreensão de obras de arte foi desenvolvido por Heinrich Wolfflin no princípio do séc. XX. Principalmente para modelos artísticos do Barroco e do Renascimento ,que foram tratados comparativamente pelo autor ,tomando-se por base a pintura e a arquitetura.

Wolfflin estabelece uma tipologia de pares opostos ,que são os seguintes:

Linear-pinturesco ;planar-recessional ;forma fechada/aberta ;multiplicidade de unidades .Esses conceitos também podem ser expressos em pares,como “estático-dinâmico”, ”simétrico-assimétrico” ,e assim por diante .É assim,que nessa perspectiva,o Renascimento aparece associado aos conceitos de linear,planar,forma fechada,multiplicidade,e também ao simétrico e ao equilíbrio.

O modelo Barroco circula pelas idéias opostas:pinturesco,recessional,forma aberta,unidade, assimetria,movimento.

Um dos pares de conceitos propostos por Wolfflin refere-se ao atributo linear,típico da pintura renascentista,em oposição ao pinturesco barroco.

Por linear, entende-se que todas as figuras e formas significativas no interior de uma determinada construção artística são claramente delineadas.Cada elemento sólido apresenta limites bem definidos e claros.

A linearidade pode ser comprovada em grande número de quadros renascentistas,como por exemplo,a obra “A Escola de Atenas”de Rafael.Neste quadro,cada figura ou elemento de arquitetura é bastante claro e passível de ser isolado dos demais.Embora integrados a um conjunto mais amplo que lhes dá sentido,cada figura ou grupo de figuras conserva uma espécie de autonomia.A idéia de Rafael neste mural foi a de homenagear os grandes pensadores da Antiguidade Clássica,e nele aparecem filósofos antigos de tempos diversos.Platão e Aristóteles aparecem destacadamente no centro do quadro,e também estão presentes diversos outros pensadores clássicos como Sócrates,Diógenes,Pitágoras,Epicuro,Ptolomeu e Euclides.

Nas pinturas barrocas,ao contrário podemos aplicar o conceito oposto ao “linear”o “pinturesco”.Tomando de exemplo a obra “Ronda Noturna” de Rembrandt.As figuras não são uniformemente iluminadas e muito menos isoláveis umas das outras.Antes,fundem-se umas às outras.As figuras principais parecem se movimentar diagonalmente,agora para a frente e para a esquerda.

Outro par dicotônico importante na abordagem de Henrich Wolfflin é o planar-recessional.Nas obras renascentistas,tipicamente planares,identifica-se facilmente uma série de planos paralelos que organizam regularmente a profundidade do conjunto de imagens,e nestes planos de composição os vários elementos isolados são distribuídos.Por exemplo,na “Escola de Atenas”um primeiro plano é dado pelos grupos e degraus mais próximos ao observador ;o segundo plano desenvolve-se em torno das figuras centrais de Platão e Aristóteles e estende-se simetricamente por outros grupos de pessoas e objetos,por fim ,o último plano corresponde a arquitetura de fundo que faz o olhar convergir para uma pequena porta aberta para o infinito,perfazendo-se com tudo isto uma organização em três planos paralelos.Estes três planos ,aliás,são bem assinalados pela sequência de arcos e outros elementos da arquitetura.

A forma fechada é típica do Renascimento:todas as figuras incluídas na “Escola de Atenas”estão equilibradas dentro da moldura do quadro,ao mesmo tempo em que a composição se baseia em verticais e horizontais que repetem a forma da moldura e sua função delimitadora.

"A Escola de Atenas" de Rafael


"Ronda Noturna" de Rembrandt


Forma Aberta


 

Na forma aberta típica do Barroco,a construção de linhas diagonais contrasta então com as horizontais e verticais da moldura e determina relações de distância,trazendo um dinamismo às figuras e a um conjunto que agora não parece mais estar contido simplesmente na estrutura de emolduramento.A moldura ,aliás,costuma nas obras barrocas cortar as figuras pelos lados deixando-as pela metade,e em alguns casos as cenas representadas parecem se estender para além dos limites espaciais impostos pela moldura,como se quisessem ganhar o infinito.

Por fim a análise relacionada a multiplicidade e unidade.De certa maneira,estes dois conceitos informam todos os anteriores.Entende-se por multiplicidade o fato já mencionado de que a pintura renascentista é composta de partes distintas e ambientes relativamente diferenciados.A obra apresenta-se internamente seccionada,sendo cada seção plena de sua cor própria,particular e local,e sendo por vezes possível examinar certos grupos e elementos como se fossem pequenos quadros dentro do quadro,separados uns dos outros ainda que mutuamente articulados em uma totalidade maior que unifica a variedade.

Por outro lado,a unidade é o ponto de partida da pintura barroca,muitas vezes obtida por meio da luz forte dirigida.Os elementos internos em uma composição barroca são fundamentalmente ligados,entrelaçam-se e invadem uns aos outros,estão como que profundamente mergulhados em uma unidade maior que pode ser obtida por recursos diversos,que vão desde a unificação pela luz ou pela sombra até a unidade estabelecida a partir do movimento,do entrelaçamento dos planos recessionais ou da difusão de contornos que se perdem em sombras,tornando pouco nítidas as fronteiras e delimitações de elementos que de outra forma poderiam ser isolados como nas pinturas renascentistas.